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sábado, julio 11, 2009

PIXAR: TRATADO DE LA MORAL

¿Quién en su sano juicio se arriesgaría, hoy, a hablar de moral?

La moral repugna, está fuera de moda, la antecede un falsario y obscuro pasado caracterizado por la opresión, las prohibiciones, las condenas… Y sin embargo, se mueve… rigiendo nuestra vida, con su otro nombre, el que sí nos gusta y complace… la ética. Sin entrar en debates espinosos, la moral–la ética es algo superior que mostraría cómo vivir (con uno y para el mundo), cómo lograr una vida buena… y ese, es un alto ideal para cualquier existencia.

Hay que aprender a vivir, adquirir una sabiduría superior al saber cultural, un conocimiento sagaz para bienaventuradamente existir. Las fuentes de ésta sabiduría se hallan en el trabajo de los grandes pensadores, que han hecho un solidario intento por esclarecer las grandes cuestiones, pero ésta sabiduría, también se halla en el arte, y es en donde encuentre su forma más feliz.

UP como todas las obras de Pixar nacen del empeño fidedigno de sus artistas por expresar sus más altos ideales éticos. Es evidente, que la gente de Pixar ama la vida, en tanto trata fidedignamente de entenderla y reelaborarla, para tratar de hacerla mejor. Conciben un mundo imperfecto como el real, unas vidas imperfectas como la de todos nosotros, pero que tal vez puedan ser menos arduas, más buenas, al retorno de la obra de arte.

Y lo hacen bellamente, cada cuadro cumple la aspiración por la magnificencia visual; los colores, las formas, la animación poseen una fuerza íntima, que llena el ojo y la mente. Pero sobre todo, lo hacen sin un dejo de falsedad o moralina, no toman una posición despótica tratando de dar “la gran lección moral”, ni amonestando, por el contrario sugieren, plantean, muestran… inspiran… y así, llegan a llenar esa parte abierta del corazón humano. Sus películas abordan los grandes temas de la ética con humor, prudencia y sensibilidad, incluyen algunas nobles señales que nos muestran ese camino vital, es decisión de uno seguirlo o no, la libertad gana.

Los mensajes son muchos y muy variados, por ejemplo en UP se nos propone: el gran suceso, la gran aventura es la de amar y ser amadola vida no se detiene siempre se abre paso (como dice John Lenon “La vida es lo que te pasa mientras estás ocupado haciendo otros planes”); cuando hay una gran incertidumbre se aprecia más la existencia y es cuando el hombre libre se revela, haciendo, no lo que se le antoja, sino lo que es necesario e importante para la vida, podrá fallar, pero finalmente lo hará, aún por encima de sus posibilidades; también que la vejez es toda la providencia del corazón del hombre y por tanto la de toda dignidad; y que jamás es tarde para abrir el alma a otro ser humano, ya que al fin y al cabo, el futuro está en el otro.

Otras películas han apuntado hermosamente: Es vital revelar ese yo humano de cada uno de nosotros, no importa si eres un juguete, un robot o un anciano. Eres más que tu destino o tus circunstancias, por ello, es importante que te conviertas en lo que eres (sea un chef o un superhéroe), empéñate y lógralo, que la lucha enaltece, el alma es una conquista no un regalo. También que la verdadera amistad es posible, pero requiere un compromiso tenaz, alejado del egoísmo o la banalidad que hoy parece dominar con el amiguismo o la cuatitud de copas. Nos han dicho de muchas formas: vivir es la máxima epopeya a la que todos estamos llamados, y debemos cumplirla lo mejor posible, con dignidad… así, tener una vida sencilla no te dispensa de disfrutarla, es un gran logro en el concierto de la riqueza del mundo, mas nunca te conformes, siempre se puede ser mejor.

La cinematografía de Pixar es un logro estético, pero más aún, un logro artístico, siguen un empeño espiritual por hacer de las generaciones, las presentes y las venideras, algo más elevado, su apuesta por el presente y el futuro, es esperanza en su estado más puro… es sin más algo inspirador.

sábado, mayo 19, 2007

Children of Men: Los fantasmas del futuro

Children of Men: Una obra de arte sobre los fantasmas del futuro.

Cada época produce sus propios fantasmas, sobre todo si es una confusa.

Children of Men es la primera gran película del siglo XXI en mostrarnos estos fantasmas que hemos engendrado.

La vida humana deriva de la aparición de la vida hace aproximadamente 3,700 millones de años y de un sistema de reproducción, el ADN, que confiere la capacidad de evolución por selección natural. Los seres vivos, los seres humanos, poseemos una continuidad histórica, deben crecer, reproducirse... heredar, esto constituye también la esencia de nuestra cultura y civilización.

Pero qué pasa cuando una especie pierde éstas capacidades. Simplemente asistimos a nuestro propio Apocalipsis, la Tierra como planeta continuará, pero el mundo que conocemos va a desaparecer. Children of Men nos muestra las señales de esta agonía en las guerras, el terrorismo nuclear, la contaminación terminal, los suicidios en masa pero todo esto tan serio no se comparan con la mayor tragedia que el mundo puede enfrentar, la esterilidad.

Nadie ha nacido nadie desde 2009, estamos condenados a la muerte y esto nunca fue tan cierto, por eso un grafitti sabiamente reza: “El último en morir, por favor apague la luz”. Y esto me lleva a hacer notar que ésta cinta es múltiple, está tan bien realizada que al frente hay una historia, la de Theo, Kee y ese milagro llamado esperanza.

Y atrás la historia del mundo desquebrajado. En cada escena hay mares de información del mundo que fue, en lo que se convirtió y de lo que es en este futuro. Tal como sucede con los personajes cada escenario tiene un bagaje que se puede leer excelentemente, no requieren de mayor explicación.

De este modo, las referencias van desde las obras de arte que no pudieron salvar como La Pietá (monumento a la maternidad), a un globo enorme con forma de cerdo (homenaje a Pink Floyd), a John Lennon (como Jasper), hasta Blade Runner con una muerte igual que poética y conmovedora.

Otra razón por la que Children of Men es una gran película es porque aún en contra de todo el drama, o precisamente por eso, no se renuncia al humor, a la risa, a los buenos momentos en que se puede reír y compartir con aquellos que amamos . Estupendo el chiste que Jasper (un grandioso Michael Kane) cuenta sobre la infertilidad y El Proyecto Humano.

Ésta película, y no Babel, debería ser ponderada como el gran film en contra del racismo, de las fronteras, como la muestra del genio mexicano; debió ser mejor reconocida por los premios pero así se mueve la industria, no siempre los mejores son reconocidos.

Ahora nos toca a nosotros, por medio del DVD, hacer que sea oído el mensaje:
Grandes cosas que creíamos imperecederas, se pueden perder, estamos a tiempo para cambiar las cosas, aceptemos que aquí está el futuro y no renunciemos jamás a la esperanza.
ELT

sábado, enero 20, 2007

Del mito: Rocky Balboa

Rocky Balboa: la vida y enseñanzas del héroe.

Siempre será curioso que el sinsentido de la muerte le dé sentido a la vida, y en el caso del héroe esto es aún más sorprendente, pues su desaparición lo glorifica más. La partida del héroe sublima toda su vida... por antonomasia no le teme a la muerte, sino que la acepta con gracia y entereza, aunque su avidez por vivir postergue un tanto su destino final, será por poco tiempo pero lo hará de la forma más digna, teniendo una despedida gozosa y honorable.

Rocky Balboa es eso, una despedida digna para un colosal personaje, una gran película que deja grandes lecciones en todos los sentidos y para todos.

Filadelfia sigue siendo esa tierra remota, una especie de exilio nostálgico que contiene todos los fantasmas y las ruinas de Rocky, en donde se contenta con revivir los tiempos pasados que fueron buenos con él. Pero también es esa tierra de la cual retorna para llevar a cabo su último gran acto; no por el box, no por el dinero, sino por el mismo y por su amada esposa.

Rocky es el sobreviviente de las grandes victorias, de los grandes logros pasados, pero aún más, es el campeón no de las cosas hechas sino de las cosas por hacer, despliega ante nuestros ojos llorosos la vida creadora. El cuerpo está dañado pero el corazón fuerte, tanto que los golpes que guarda como una bestia, levantan a los espectadores de sus butacas, dentro y fuera de la película.

Nosotros también gritamos ¡Rocky! ¡Rocky! Mentiría el que diga que no se conmueve al oír el tema de Rocky, Gonna Fly Now.

Mentiría el que diga que no se siente inspirado con las escenas del entrenamiento, y que algo dentro se quiebra cuando Rocky y su perro feo y viejo (una bella metáfora) alcanzan la cúspide de escalones. Y dicen que no hay poesía en esto.

El héroe emerge de los claroscuros de su vida para enfrentar al enemigo físico, Dixon, que es grande y destaca en el poder por su posición como campeón, es engreído y eso será su error, pues Rocky posee un conocimiento que su contendiente no conoce, el orgullo propio, el honor de ser un guerrero y la modestia de la victoria y la derrota.

Rocky Balboa da una gran lección de modestia. Primero a su oponente, le enseñará el orgullo y honor bautizándolo con fuego, haciéndolo mejor. Después a los espectadores y a los críticos pues la historia de Rocky es la de Silvester Stallone, nos dice tuve buenos tiempos con Rocky y ésta es la despedida que le doy en un camino hacia el mío. El mensaje está ahí: es una historia sencilla, sé escribir guiones pero no como Kaufman; es una película bien narrada, sé dirigir pero no soy Scorsese; es convincente el personaje de Rocky, sé actuar pero no soy un Marlon Brando. Y en esa modestia está la grandeza de todo el concepto.

Stallone que alguna vez renegó de hacer sólo a Rocky, ha aceptado que nació para hacerlo y que con ello ha dado a la cultura un icono, una inspiración, una experiencia cinematográfica y que con el personaje forjó una carrera memorable.

Saben... esta subespecie chocante que son los cinéfilos son o somos un tanto ingratos, no es que no debamos aspirar a lo mejor, sino que no agradecemos en la medida correcta del corazón todo lo que el cine y los cineastas nos dan y esto incluye no sólo a Stallone sino también a Scorsese.

Por ello, con toda el alma gracias a Rocky y a Stallone por la experiencia por la emoción de ir al cine, ese éxtasis está ahí, íntegro, vivo, gracias por conmovernos hasta las lágrimas y el grito contenido, gracias por hacernos sentir que podemos ser mejores, en contra de todo, en contra de nosotros mismos.

Finalmente, todos debíamos tener una pelea final.
You know I couldn't have done nothing without you... Yo Adrian we did it... We did it...
Rocky Balboa

sábado, enero 06, 2007

Pensamiento: Cine, tiempo y vida.

Pensamiento: Cine, tiempo y vida.
Quien domina el tiempo domina el cine, pues es preciso domar a esta bestia hermosa. El tiempo, por tanto, es el elemento connatural del cine y de todas las artes que unifica; pero su substancia, es la vida. Vida y tiempo comparten misterios y giran una en torno de la otra: el cine resulta de esa danza.
[E]

sábado, diciembre 30, 2006

Cine: Lo mejor a mi gusto del 2006.Cine: Las 5 mejores películas (a mi gusto) del 2006.

Cine: Las 5 mejores películas (a mi gusto) del 2006.

Es cierto, debo muchos comentarios, después de mucho tiempo sin escribir como debía y de miles de cosas que han pasado, ese es el peligro de llegar al hartazgo o al silencio. Con todo, vuelvo a aparecer con algunas (poquísimas) ideas y contexturas que de haberlas escrito de bote pronto, tal vez hubieran sido más superficiales.

Quiero despedirme del 2006 con una lista de las mejores películas del año, como siempre es un ejercicio regido por el gusto, desde ahora pueden condenarme de sólo incluir películas comerciales, pero en mi descargo diré que soy coherente con mis complacencias, no pretendo influenciar más a los que ya he influido o alejar a los que ya he distanciado de mi criterio.

He aquí la lista:

Número 5. El laberinto del fauno. A mi parecer la gran ficción, el gran cuento para adultos en el más inocente sentido de la frase, pero en el peor de los sentidos pues la guerra y la bajeza están presentes coexistiendo con la inocencia y la fantasía.

Número 4. Casino Royale. Un James Bond más real, que ha ganado su lugar en éste siglo (alejado del romanticismo), a fuerza de fallar, sangrar, despreciarse a sí mismo y aguantar un martirio que líbreme Dios. No obstante, sigue con la magia de la repetición que hace posible ésta queridas franquicias.

Número 3. The Prestige. Simplemente prodigiosa, por sí sola la película es un gran truco, llena la pupila y el cerebro, respeta a cada paso y dos veces la estructura que establece: promesa, cambio y el prestigio. No es predecible, te asombra, te conmueve, al final del acto, el mago te ha dejado satisfecho en tu butaca y apenas empiezas a entrever el truco.

Número 2. Children of Men. Una gran película, me recordó por momentos (luminosos) a Blade Runner en ese tono rabiosamente humano, tanto que me regreso al disfrute simple del cine y más tarde, con una sensación que resumiría con un decir del poeta inglés William Wordsworth: “El niño es el padre del hombre y desearía que mis días se ligaran uno a otro por natural piedad”.

Número 1. The Departed. Scorsese como el mejor Scorsese, el maestro arma una película soberbia, interesante, bien contada, vertiginosa que te pone al filo de la butaca, hace un ensamble de actuaciones con más que actores, con estrellas, y le ha dado una respetabilidad inusitada al Sr. DiCaprio. Refresca, además, una historia poniéndole su firma más osada, y te sorprende con cada final inesperado. Finalmente quedas satisfecho y con la seguridad de que Corséese conserva su maestría. La razón principal por la que ocupa mi número 1, es porque tiene lo mejor de cada una de las cintas de las 4 posiciones anteriores.

Bueno eso digo, pero usted ¿qué opina?

Feliz 2007.

miércoles, noviembre 22, 2006

Cine: Babel.

Cine: Una opinión terminante sobre Babel.

Siempre, o casi siempre, consagro éste y otros espacios para hablar de aquellas cosas que me gustan o que a mi consideración merecen una mención desde mi punto de vista. Ésta es una gran excepción y lo hago (tal vez muy tarde) por la sencilla razón de que me han preguntado insistentemente mi opinión sobre la susodicha y no quiero, además, que gasten inútilmente su dinero en un boleto. Mi opinión terminante es:

Babel, una película estúpida, de gente estúpida que hace cosas estúpidas.

*

sábado, octubre 28, 2006

Cine: El Laberinto del Fauno.

Cine: El Laberinto del Fauno: El Laberinto de Guillermo del Toro.

Quiero hablar brevemente de El Laberinto del Fauno, las más reciente película del director mexicano Guillermo del Toro. De inicio, afirmo que es una de las grandes películas del año y de muchos más en cuanto a fantasía se refiere y que se enfila rumbo a los Oscares con muchas esperanzas. Y no es que al director tapatío lo obsesionen los premios, sino que se está acercando cada vez más al justo reconocimiento mundial por su trabajo, y no hay palestra más iluminada que la de la estatuilla dorada.

Asimismo, como en un laberinto concéntrico, Guillermo del Toro se está acercando cada vez más a decir cinematográficamente todo lo que trae dentro, todo el arte que se basa en sus obsesiones infantiles y en la belleza que al menos a mis ojos aparece como despiadadamente mexicana. Ahí esta esa estética de claroscuros y de un barroquismo mexicano que visualmente le da a cada película un ambiente inquietante, ha sabido alimentarse del cómic no sólo estadounidense sino mexicano para crear esas experiencias.

Del Toro consigue en El Laberinto del Fauno la universalidad para sus personajes y la truculencia absoluta del ambiente que por momentos es angustioso pero no desconcierta, has aceptado sus reglas para sentirte sumergido en la historia. Universalidad y espanto crean metáforas realmente bellas y poderosas.

En el tapatío lo visual y lo narrativo son una misma cosa (ese es su laberinto personal), de ahí a que algunas de sus cintas anteriores no logren la redondez en el guión que en El Laberinto del Fauno logra, si bien posee una pequeña falla en el guión.

Pero repito aquí están todas esas obsesiones: Los insectos, cuya estructura mecánica está en Cronos, Mimic y en El Laberinto del Fauno, como mensajeros de la aventura. La maquinaria, sobre todo los engranes, símbolo del devenir, el tiempo, el destino, aquello que es inexorable como en Cronos o Hellboy. La sangre, el símbolo de la vida y la muerte, de la identidad humana y del paso entre dos mundos. La guerra, un incidente que acerca más lo brutal con la inocencia, lo dolorosamente real con el mundo de la fantasía, estos extremos que no antagónicos entablan una lucha y también un diálogo como en El espinazo del diablo. Del mismo modo, los mundos posibles que corren paralelos y se entrecruzan, donde lo real se confunde con lo imaginario y donde los monstruos, no son precisamente las criaturas extrañas que se presentan en la noche.

El Laberinto del Fauno se le ha comparado con Las Crónicas de Narnia pero creo que la primera es más fuerte al ahcer convivir fantasía y crueldad, su mensaje sobre el sacrificio es al mismo tiempo más contundente pero menos enternecedor y he aquí la pequeña falla en la estructura, sin revelar nada diré que, si la protagonista sintiera un poco de odio o rencor por el recién nacido (que pudo haber causado la muerte de su ser más querido) el mensaje del sacrificio hubiera sido mayor.

Para acabar con la comparación creo que el Fauno tiene una presencia ambigua moralmente de ahí su poder en la pantalla, no sabes si es del todo cierto lo que dice, ni a donde lleva a la niña, es un mensajero que pone a prueba a la niña y no un líder como Aslan que le muestra el camino a los niños. La búsqueda y el logro de Ofelia son más heroicos en El Laberinto del Fauno, desde el punto de vista del mito.

Antes de acabar quiero destacar el sonido magnífico, cada personaje posee su lenguaje sonoro, el Fauno como una gran masas de hojas y tierra vieja, ancestral como el monte o el bosque, los insectos hablando en su lengua de telegramas, los militares sonando al rechinido de sus botas de cuero, la rigidez del soldado. Y destaco este rubro porque fue diseñado por una de las grandes leyendas del sonido en México, Martín Hernández.

Reafirmo, El Laberinto del Fauno es una gran película que nos regala a los adultos un cuento de hadas bella y brutalemnte narrado lo cual no le quita nada alcanzando lo sublime.

Guillermo del Toro ha logrado un sello único, una forma personal de mostrar historias en lo literario, lo visual y lo sentimental, que conforman lo cinematográfico; tal como los grandes maestros del cine. Posee sin duda ya estilo, es decir, una honestidad intelectual brutal, es hoy por hoy y mañana uno de los mejores directores de México para el cine mundial.

*

sábado, octubre 07, 2006

Cine: Frases: John Hartigan en Sin City.

Cine: Frases memorables John Hartigan en Sin City (2005).

Siempre me ha parecido que el cine está hecho de su costado izquierdo de frases, discursos, palabras memorables que tañen la eternidad por su perfil más humano.

Sin City abunda en sonidos y por supuesto en imágenes para la posteridad, el arte desplegado está a todo su tamaño y hondura, Frank Miller es un genio y Robert Rodriguez lo secunda.

Creo firmemente que una oración que logre expresar el alma de un ser humano real o ficticio se cincela en la nuestra para cambiar algo dentro de nosotros... y yo quiero traer a este espacio la de un personajazo John Hartigan cuya frase es tan poderosa que aún no logro abarcarla.
And after I pull off that miracle, maybe I'll go punch out God.
(“Y después de realizar este milagro, tal vez vaya a golpear a Dios”)

John Hartigan.

sábado, septiembre 16, 2006

Referencias: Cine: Alfred sobre Hitchcock.

Autoreferencias: Cine: Hitchcock sobre Hitchcock.

La grandeza de un cineasta radica entre otros muchos ingredientes en poseer no un estilo sino una honestidad intelectual, a mi parecer Alfred la consigue y la mantiene, conociéndose y conociendo a su público.
“Tengo que hacer suspenso para que la gente no se decepcione.
Si filmará La Cenicienta tendría que poner una cadáver en la carroza para que quedaran satisfechos”.

Alfred Hitchcock.

sábado, agosto 12, 2006

Pensamiento: Cine y Literatura, lo presente y lo eterno.

Pensamiento: Cine y Literatura, lo presente y lo eterno.

Dice Andrey Tarkovsky en Esculpir el Tiempo:
“El cine puede tomar de la literatura los diálogos —pero hasta ahí—; no tiene relación alguna con la literatura... En el cine los diálogos son simplemente un componente más del material con que e hace una película. Cualquier cosa en que un argumento cinematográfico tenga aspiraciones de prosa artística, debe por principio ser invariablemente asimilado y adaptado durante el rodaje de la película”.
Quizá no esté totalmente de acuerdo con el maestro, pero en todo caso sería interesante pensar en dónde está la esencia de esta divergencia que opera como una parábola en un espejo de luz...

Tal vez, en que lo literario transcurre en pretérito y lo cinematográfico en presente, no importa el uso del tiempo dentro de la narración que se puede adelantar, repetir, atrasar, difieren en ello íntimamente.

Si la literatura utiliza el pretérito es para simular lo eterno, lo que nunca se alcanza, un mundo siempre a distancia que aunque común no es del todo asible o intervenible pues sólo es material de especulación y contemplación aunque a nuestras sensaciones sea real, contiguo y perpetuo en ese instante (sin tiempo) en que se lee. La eternidad está atada a la eternidad.

Lo que sucede en el cine, en el mismo acto de estar frente a la pantalla, sucede en el momento en que está sucediendo. El mundo transcurre fugazmente, pero es mundo cercano, asible, real pero efímero. La eternidad vendrá después con la memoria, pero será una eternidad sujeta siempre al presente no a la eternidad misma.

Con suerte en la próxima entrega pueda refutar lo que he dicho hasta ahora, el tema es inagotable.

sábado, julio 29, 2006

Referencias: Cine: Fellini sobre Fellini.

Autoreferencias: Cine: Fellini sobre Fellini.

“Muchos dicen de mí que soy un mentiroso, pero los otros también mienten.
Las mentiras más grandes sobre mí las he oído de los otros.
Podría desmentirlas, pero, como soy un mentiroso, nadie me creería”.
Federico Fellini.

sábado, julio 22, 2006

Cine: Epitafios: Citizen Welles.

Cine: Epitafios: Citizen Welles.

A decir verdad no sé si ésta inscripción aparezca sobre la lápida de Orson Wells, creo que para el caso no importa o sale sobrando y creo tener la razón ante lo lapidario del epitafio pero sobre todo por el respaldo que encuentran las palabras en su vida:

“No es que yo fuera superior .
Es que los demás eran inferiores.”

Orson Welles (6 de Mayo de 1915–10 de Octubre de 1985)

sábado, julio 08, 2006

Cine: El Campeón Alejandro Galindo

Cine: Alejandro Galindo, Campeón con corona.

Hay una figura cinematográfica imprescindible que se adelanto con mucho al Laberinto de la Soledad de Octavio Paz al describir esta historia sin fin de la derrota mexicana, que trágicamente parece eterna y para prueba ahí está el futbol. La figura fulgurante es la de Don Alejandro Galindo (fallecido el 14 de enero de 2006), la obra Campeón sin Corona que junto con otras de sus películas tienen asegurado un sagrario de honor en el cine mexicano.

Nacido en Monterrey, Nuevo León el 14 de enero de 1906 y adoptado por la Ciudad de México desde muy niño, Héctor Alejandro Galindo Amezcua es sin más, el padre del cine urbano, un cronista íntimo de la metrópoli. En sus películas avivó un México de desvelo, de crimen, alcohol, cabaret, caída... un México que nunca duerme de noche, activo de día, cómico y trágico, fértil a las historias de identificación popular donde los chóferes, los funcionarios, los neveros, los taqueros, los boxeadores... el ciudadano común y corriente y la nueva clase media baja es el héroe y el antihéroe de los mil problemas diarios. Con ello nos ha legado aunque sea indirectamente los binomios de Tin Tan–Martínez Solares y Pedro Infante–Isamel Rodríguez.

Él mismo logró una mancuerna ideal con David Silva para crear una de las perlas negras del cine mexicano: Campeón sin corona de 1945. Equilibrada con entrañas y sencillez es una historia emotiva y brutal sobre el triunfo de un boxeador y la caída de un hombre no en el ring sino en su vida, autocondenado a la derrota. Inspirada en la historia del púgil Rodolfo Chango El Casanova, Roberto Kid Terranova es el héroe vencido, no por el adversario, sino por lo que trae adentro, por el miedo... y a decir de un personaje cinematográfico, el miedo y el terror son enemigos poderosos.

Alejandro Galindo conformo un reparto extraordinario, además de David Silva estaban Amanda del Llano como Lupita la leal novia; el terrible Carlos López Moctezuma como el bueno del Tío Rosas, el manager que prepara al púgil para su destino; Fernando Soto Mantequilla como El Chupa el simpático second que tiene un brillo especial por contraste con la aflicción y por último y de manera estelar La Ciudad interpretada por la Lagunilla, la Arena México, los salones de baile, los billares, las taquerías, las fondas, las calles...

Campeón sin corona estrenada en el Cine Palacio en 1946 sigue siendo en proporciones una tragicomedia dolorosa, una apoteosis de la derrota, una epopeya del fracaso... pues ahí está encarnado el complejo de inferioridad del mexicano, el que tiene todo para triunfar, pero que se amilana frente al pocho Joe Conde (interpretado odiosamente por Víctor Parra) cuando le habla en inglés siendo que Terranova es mucho mejor para los golpes; ahí está la figura que no resiste la fama, el dinero y las mujeres que le inmola la efímera gloria, pues le puede aún más la decepción amorosa de la mujer fatal (Susana interpretada por Nelly Montiel) que personifica aquel mundo que quiere pero que odia y teme.

La fotografía y la habilidad técnica del maestro nos muestra aquel ambiente de golpes, fracturas, enfrentamientos cuerpo a cuerpo, entradas, ganchos, ráfagas de golpes, una naturaleza violenta engalanada por el legendario anunciante Antonio Padilla Picoro y los comentaristas el “Mago” Septién y Ramiro Gamboa el “Tío” Gamboín.

Kid Terranova saca la batalla del cuadrilátero. Su final es trágico: derrotado no en el ring sino en la vida... vaga como una sombra en el anonimato de las glorias pasadas, lejos de sus seres queridos, atestiguado el triunfo de otro boxeador que sin embargo y a decir de uno de los parroquianos que festeja aquella victoria en una cantina no es nada frente a un fantasma llamado Kid Terranova. Y sin embargo, pudo haber sido peor, éste final de la película no es el original, el manuscrito indicaba que el Kid terminaba perdido en el vicio, Galindo lo cambió a petición del productor Raúl de Anda, para dar una esperanza, la cual está representada por la madre del campeón y Lupita que lo encuentran y le piden volver a la nevería a batir la de membrillo.

Lo dicho, una obra de arte. El maestro Alejandro Galindo con Campeón sin corona hace una parábola de oro que baja y baja sobre el combatiente que pudo pero no quiso triunfar. Finalmente y aún hoy, nosotros seguimos siendo nuestro peor enemigo.

*

sábado, junio 17, 2006

Referencias: Bergman sobre Fellini.

Referencias: Bergman sobre Fellini.
“Fellini es más que un amigo, es un hermano. Algunas de sus películas las he visto 10 veces“.
Ingmar Bergman.

sábado, junio 03, 2006

Cine: Charlton Heston como Moisés.

Cine: Charlton Heston como Moisés de Los Diez Mandamientos (1956).

El cine puede ser una auténtica vivencia mística y pocas películas “religiosas” logran introducirnos en ésta dimensión mística... que nos hace comprender que detrás de la superficie del mundo, del universo entero, yace un origen misterioso y que esta fuente también constituye nuestro origen. Pocas películas como Los Diez Mandamientos, que al menos en mí produce ciertas revelaciones, ciertos sentimientos, ciertas reflexiones... sigue siendo un clásico que sigo disfrutando.

En este texto he optado no por filosofar en torno a la película, sino por ofrecer uno de esos apuntes sabrosos, algún dato interesante que nos haga sonreír de otro modo durante la película. Iniciare relatando algo de cómo Charlton Heston obtuvo el papel de Moisés.

Charlton Heston ya había trabajado con Cecil B. DeMille en 1952 en The Greatest Show on Earth, de ahí se conocían muy bien, habían trabajado excelentemente tanto que habían logrado no sólo un éxito en taquilla sino el Oscar a Mejor Película y Guión Original y la nominación para DeMille a Mejor Director, y en parte a esto Heston consiguió el papel de Moisés en la nueva versión de Los Diez Mandamientos de 1956 (The Ten Commandments). Aunado a que William Boyd había rechazado el papel.

Sin embargo, el hecho que lo decidió fue que DeMille estuvo en Italia y se detuvo en el Museo de Roma donde estaba la escultura de Moisés de Michelangelo —personaje que Heston dio vida en La Agonía y el Éxtasis (The Agony and the Ecstasy de 1965)—.

Dice la leyenda que alguien le dijo que había gran semejanza entre la escultura y Charlton Heston, otra versión dice que fue el propio DeMille que se dio cuenta del parecido, el caso es que no pudo quitarse la idea de la mente hasta que llevo a Heston como el Moisés para su película.

Durante la promoción de la cinta, Cecil B. DeMille exponía ufano el gran parecido físico entre las contrapartes, pero quizá de lo que estaba más orgulloso y satisfecho era con la semejanza ética que había logrado en su película entre el Moisés encarnado por Charlton Heston y la figura tutelar que el propio DeMille tenía del personaje bíblico.

sábado, abril 29, 2006

Leyendas: Cine: "Yo soy el cine mexicano" 1a Parte.

Leyendas: Cine: Emilio “El Indio” Fernández. 1a Parte.

Mineral de Hondo, Sabinas, Coahuila, México. Sábado, 26 de marzo de 1904. Lugar y fecha que ven nacer a uno de los máximos cineastas mexicanos de todos los tiempos: Emilio “El Indio” Fernández.

La leyenda de “El Indio” dentro y fuera del cine daría material para muchas películas iniciando con su origen, descendiente de los indios kikapú dice el mito que mientras su padre el Coronel Emilio Fernández Garza peleaba en la Revolución, mata al amante de su madre la Sra. Sara Romo con una carabina treinta treinta. Aún siendo niño lucho en la Revolución Mexicana, inicia como carrancista pero más tarde y por diversas razones se hace villista. Muchos años más tarde retrataría en sus películas éste ambiente que sin duda lo marco.

A los 16 años de edad ingresa al flamante Colegio Militar, a los 19 es apresado por levantarse en armas en Puebla, sentenciado a 20 años de cárcel, se fuga luego de tres años por un hueco en la celda de la prisión de Santiago Tlatelolco, huye a Chicago donde se hace gángster, luego se marcha a Los Ángeles, y de nuevo aflora el mito, en el mismo tren que llevaba a Rodolfo Valentino a quién aseguraba enseño a bailar.

Y he aquí que inicia su historia en el cine pues en el sepelio conoce a varias estrellas hollywoodense. Chano Ureta le daría su primera oportunidad como extra en Destino de 1928. En Los amantes de Carmen conoce a Dolores del Río le promete que algún día dirigirá una de sus películas, promesa que cumple en 6 ocasiones haciendo de ella una de sus máximas musas, sobre todo en María Candelaria (1944), siempre le profeso un amor que fue a primera vista. De nuevo la leyenda se hace presente y refiere que el propio marido de Dolores del Río, Cedric Gibbons lo usa como modelo (y desnudo) para diseñar la estatuilla del Oscar.

Hasta aquí éste post, en la siguiente entrega su regreso a México.

sábado, abril 15, 2006

Memoria: Futbol: Cine: Recuerdos de Godard.

Memoria: Futbol: Cine: Recuerdos de Jean-Luc Godard.

Hoy que es Sábado de Gloria y me ato inmediatamente al agua. Y el agua me lleva a una imagen de Jean-Luc Godard junto a una alberca siempre fumando y tomando algo refrescante. Godard y la frescura me remiten a una de sus películas "Notre musique", en la cual se recuerda el "Partido del Siglo" sucedido en Wembley el noviembre del 53, en el cual el Magnífico Magyars o el Equipo de Oro, es decir Hungría venció 6 - 3 a Inglaterra.

Y ahora recuerdo, aunque no precisamente con mis ojos, por Hungría a "el galopante mayor" el hermanito Puskas, al portero Grosics, a "el sultán" Czibor, a "el revolucionario hacedor del juego" Hidegkuti, a "el diputado" Bozsik, a Kocsis "la testa de oro".
Y del otro lado vagamente a Wrigth y a Matthews.

Espero que en el mundial venidero algún caballo negro juegue como la Hungría o El equipo de oro de Puskas o el Ajax de Cruyff, todos al ataque, todos a la defensa, todos en una consonancia libre y poderosa.

sábado, marzo 11, 2006

Cine: Pascal, las pasiones y un clásico.

Cine: Pascal, las pasiones y un clásico del cine mundial.


Blaise Pascal (1623-1622) siempre acaba por revelarme más cosas de las que debiera, como si me confrontará a un espejo infinito donde la humanidad sin duda luce sus riquezas y miserias más profundas, dirigiéndome a mi propio ser. De ahí su calidad de genio.

En su Discurso sobre las pasiones (1652-1653) se halla sin duda una de las reflexiones sobre el amor que más me dicen, hoy al releerlas salto a mi pensamiento una imagen que es muchas imágenes a 24 cuadros por segundo. Lo que más me asombra es que ambas obras de arte, dibujen, en blanco y negro, celuloide y tinta, una perspectiva tan completa del amor y sus avatares.

Aquí comparto una suma, un cadáver clarividente, de algunos de sus pensamientos sobre el amor y la pasión que creo mejor expresan el espíritu de éste clásico formidable del cine mundial y tal vez no podría ser otro, ojalá sea una buena sorpresa o una previsión feliz.

Las almas propensas al amor piden una vida de acción que estalle en eventos nuevos. Como lo interior es movimiento, lo exterior también debe de serlo, y de esta manera de vivir es un maravilloso acercamiento a la pasión.

Cuando se ama apasionadamente, siempre se mira a la persona amada como si fuera la primera vez. Apenas se ausenta, falta en nuestro corazón... Y aunque los males sucedan a otros males, no dejamos de desear la presencia de la amada con la esperanza de sufrir menos.



Casablanca (1942)
Dirigida por
Michael Curtiz.
Estelarizada por
Humphrey Bogart (Rick Blaine)
e Ingrid Bergman (Ilsa Lund)
*

domingo, febrero 26, 2006

Fotografía: ¡Macarioooo!

Fotografía: Cine: Relato: ¡Macarioooo! o En algún sitio de la niebla.

Nuevamente me aparezco con una fotografía que un amigo me envía para hacerle un relato breve. En este caso y dado que mi memoria se ha forjado en el cine traigo hasta este tiempo-espacio una evocación evidente que se encuentra como un grito.

En algún sitio de la niebla.

Por pasear en el campo cuando el ángelus convoca, nos hemos extraviado en algún sitio de la niebla. Quién sabe a qué hora nos perdimos no a la mitad del camino de nuestra vida sino en la frontera humana, nuestra vida es sólo existencia eterna o sempiterna, no importa.

La danza nos disperso por el monte cuando alguien respiró con apetito de mundo y acudimos detrás de los murmullos.

Ahí nos escontramos a Macario y le ofrecimos el arrepentimiento, la caridad, la bondad, la riqueza, la cárcel, el trabajo y la inmortalidad a cambio de un pedazo de guajolote, pero él escogió la muerte precedida del sueño y la satisfacción, dicen unos que es la muerte más dulce otros que es la muerte más terrible.

Luego nos fuimos... venía mucha gente gritando ¡Macariooooo!


sábado, febrero 18, 2006

Cine: Pensamiento: Los sueños y El halcón maltés

Cine: Reflexión: La materia de los sueños y El halcón maltés (1941).

...el detective Tom Polhaus toma la figurilla maciza y pesada de un halcón y pregunta:

"¿Qué es?"
.

Humprey Bogart como el detective privado Sam Spade responderá:

"Es el material con el que están hechos los sueños".


Para siempre Sam Spade no estará diciendo que los sueños, nuestro sueños, pueden estar hechos de plomo o de esa substancia tan etérea que sólo se palpa con la mirada y que a veces sólo nosotros podemos ver; que pueden ser tan macizos para resistir la dureza nuestro destino o ser tan frágiles hasta evaporarse en el aire de nuestra realidad más cotidiana.

Pero Spade no se refiere a los sueños que germina y acendra la noche sosegada y que son pastos perennes de inspiración o creatividad, no!... lanza su gesto riguroso, sobre aquellos que se abren paso entre la vigilia como un guerrero, como el combatiente de la batalla eterna entre lo que somos y lo que no somos, entre el ser y el tener, entre el resistir o el dejar pasar.



El halcón maltés posee algo más que diálogos poderosos que se clavan en nuestra memoria y en nuestra estética como un disparo sordo.

Hay algo en la película que “fotografía” muy bien esa dimensión negra del sueño con caracteres engañosos y escenas amenazadoras, con dureza, avaricia, anti–heroísmo y resistencia... que han, si no creado un género, sí inaugurado una forma de cine que puede ver más allá del misterio, del pecado, del suspenso y del romance.

Algo que Brigid O'Shaughnessy sabe en su descenso (al sueño) por el elevador y que sólo el detective Sam Spade puede comprender completamente al mero contacto con la negra estatuilla del halcón maltés.

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* Imágenes (cc)